森山大道最喜欢的就是4×5比例的竖构图样式。荒木经惟则喜欢6×7画幅（其实这两种画幅比例之间的差异不大）。他们都认为35mm画面相对来说太长了些。这一比率稍微有点不符合他们的视觉要求。尤其是对于对影像的构成有很苛刻要求的森山大道来说，他常常会在横构图时裁去左右两端。

荒木经惟的作品之所以很难摆脱抒情性，是因为他最早崇拜的人就是艾尔斯肯——他的作品《左岸之爱》给荒木经惟印象之深，因此使他无法在自己的作品中创造一个完整的故事。这就是他和森山大道作品最大的不同点。

山大道刚刚接触摄影不久，他发现了威廉姆·克莱因的《纽约》（1956）。他被这位美国摄影家画面中不合规则的、有时候是模糊的甚至构图是倾斜的纽约所迷恋和震惊，从而意识到摄影可以成为一种自由的艺术样式。

森山大道做出了一个惊人的比喻：阿杰就像是一块化石，维基则是活力的闪光。

的确，摄影就是光的化石。阿杰用的纯粹是自然光线，维基则是人工的光线。自然光作为瞬间的人工光的对立面而存在。阿杰的一些照片展现了自然光线穿越的过程，一种长时间曝光的过程，和瞬间的闪光截然不同。这些的光线效果主要是因为当时的感光乳剂比较慢的关系，但是不管怎么说，那些光线的精美，具有一种神性。

摄影之所以令人痴迷，最好的理解就是光线穿越照相机的观念。这样的感觉就像是你自己沐浴在光线之中。你会比其他人更能理解这样一种精致的光线。森山大道的《告别摄影》就是一个很好的例子。在这一系列作品中，光线穿透了黑暗，转换成一种灰色的色彩。

但没有人能达到，荒木的‘情’是无法模仿的。同样的模特，同样的景物，荒木拍出来的感觉就是不一样。其他人拍，总觉得缺少点什么。尤其是荒木拍的女裸体，女人们看了觉得可爱，而男人们看了不仅没有‘淫’的感觉，反而会对自己产生一种审视的心态。这就是荒木摄影的魅力。”

“對於荒木經惟來説，是以其生活本身的體驗進入到攝影圖像的深處，攝影方式和攝影活動本身，已經成為生活的重要組成部分。因此這樣一種發自內心的創作需求，自然就和表現手法融為一體，成為無法簡單模倣的一個整體。